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所有的藝術創作,不論其媒材為何-文字、影像、音樂、數位元素…-其創作美學的基礎為何?是靈感?還是知識?

我閱讀美學的文獻,發現絕大多數人似乎認為是靈感而非知識的。以朱光潛的「談美」為例,他開宗明義就說:「我們對於一棵古松的三種態度-實用的、科學的、美感的。」他是把「美」和「科學」分離的,是非知識化的。所以「美」的產生與傳播是個人化的、自由聯想的,他歸結創作的基礎是「讀書破萬卷」、依靠「天才與靈感」。

但在我學習的過程中,我不反對藝術創作中有靈感的部分,但仍存在知識的部分,而且是「基礎的-亦即是跨媒材的」知識,這就是我曾多年在課堂上進行實驗證明的「統雄美學3論」:

1. 美的存在論:「美」很難以「普遍主觀的吸引力」存在;但可以「普遍客觀的風格呈現」存在。

2. 美的組成與內涵論:「風格」的實現是經由「統一與變化」2種內涵而組成的。

3. 美的建構與產生論:「風格」的實踐,可以經由「結構、意義、媒材元素」而建構,進一步可傳播,使人知覺、感動。 

所以,音樂美學產生的第一步,也是音樂元素的結構。

美自結構來

音樂美學是基礎美學的一種應用。「美感」建構的第一步應從「結構」來,有結構才有造型、才有深度。

結構的形成是「統一與變化」、「平衡與對比」。最常見的實踐,就是「起承轉合」的創作結構。「起承合」是統一,「轉」是變化;「起承」建構平衡的質感,「轉」建構對比的趣味;西方古典音樂講究「動機、模進、轉調、終止」的4段結構,其實是不同的名稱、相同的道理。

彈鋼琴的人一定要彈BeethovenFur Elise,為什麼會給人「好聽、又好彈」的感覺呢?因為她基本上就建構了「起承轉合」的進行,而又粧點了適當的變化,符合科學知識的內涵。她雖然被歸為古典音樂,許多素材的處理,其實是和Jazz的處理有異曲同工之妙,所以才有通古今的感動。這首曲子的創作,也許Beethoven是基於他已發現知識的發揮;也許Beethoven真的是基於天才,但他的靈感還是自然的符合了知識的架構。詳細的分析,請參考「Fur Elise 的分析」。

音樂結構的元素,包括很多,宜有適度的講究,細節請參見統雄的「數位音樂創作特區」。

我的作品不僅期待靈感的神會,妙手偶得;也努力於讀破萬卷的咀嚼消化,但願有嚴謹的構想與規畫。

常中有變‧變中有常

談「結構」很容易被誤為「格律」,死守格律,很容易又失去了創意與行雲流水的境界。

其實結構包括「統一與變化」「平衡與對比」,亦即「常中有變‧變中有常」。

「常與變」且不僅限於一種音樂表現形式的框架中(如「主調」和「轉調」),更是整合不同音樂思想、音樂風格、音樂歷史的觀念。現在人們會覺得西方古典樂理、中國古典樂理、與非洲、拉丁Blues進行很不同;但他們都有共通之「常」,只是在詮釋與表現有「互變」而已。

能夠瞭解其中常與變,就能夠表現多元曲風。

聲中有字‧字中有聲

遠古時代,詩人常兼為樂者,便能體會到弦律必須與詩韻相融合,亦即樂音的曲折應與字的聲調(如古代8聲、閩臺語7聲、國語5聲等)契合,亦須與詞的完整性相協調(如「我愛你嗎?」不致於聽成「我愛--你媽」),音樂的抽像與靈動才能更藉著詩詞的勾勒,產生具體的意象之美。

近代對於語文中的美學,往往疏於注意,這方面的欣賞、追求、研究與實踐,似乎也經常被荒廢了。

我們固然不必被走火入魔式的東方格律、與西方樂理所禁錮,但上天賦與的自然聲韻,正是連接詩與歌的橋樑,我們還是不應該忽略。

科學的美學‧美學的科學

我18歲開始彈吉他、用紙筆作曲;38歲開始彈鋼琴、用Midi作曲。

當我第一次坐在鋼琴前面的時候,我忽然就自然的彈奏起來了。因為在我眼前展開的是一串「線性」的美麗數字,只要伸手去按物理上必然的優美組合,悅耳的弦律與和聲就自然誕生了。鋼琴有視覺的輔助,其實比「非線性」的吉他好彈多了。

我恍然大悟,為什麼Galileo, Einstein 都在音樂上有深入的造詣,因為音樂和物理和數學實在是一體的兩面啊!而能真正自由駕馭音樂的人士,可能也有很深的物理、數學潛力,只是在當前的社會形象認知中,當事人可能自己也不知道吧?

我在開始彈鋼琴時,曾經懷疑:「真的這麼容易彈嗎?我會不會在閉門造車?」所以就跑到一家知名專業音樂班去找老師學習。但坐下來後,我發現是我在教老師彈鋼琴。因為她只能看譜彈,而譜上有一些可能為了指法方便而犧牲音樂性的地方、或是可以改善進行結構的地方,她都看不出來。

電影 Amadeus 有一幕演出宮庭音樂師將自傲的作品,交給Mozart 試彈,Mozart 一面彈、一面說:「這裡進行不對、那裡進行不對!」音樂有什麼「不對」的呢?能夠當宮庭音樂師,技巧能夠不好嗎?但從科學看音樂,就不僅是技巧的問題,而有美學知識的問題,音樂創作是會有不盡理想的地方。Mozart 的作品為什麼歷久彌新?就是因為他的科學美學知識(或天才)實在深厚。

這也使我發現,當前的音樂表現教育,似乎太重視背誦與表層,而表層看法很可能和真正的知識不一定相同。

譬如,我發現當前流行的歌唱節目,評審很喜歡批評歌唱者的音準。但「人聲」和「器樂」不同,人聲應該顧慮上節談到的「聲中有字‧字中有聲」及其感情的變化,它的弦律豐富性是遠超過樂器的,不能用單調、單一的音符,來衡量它的。

進一步說,什麼叫「準」?當前的樂器都是基於十二平均律發音,也就是「人為的制訂的音高」「相較於自然真正生成的樂音,是『不準』的音高」。換句話說,如果不能從整體性欣賞音樂,以偏蓋全的計較表層的「準」,其實正是「不準」。

(打開鋼琴、閉上眼睛、開啟平常被污染的耳朵,平心靜氣的聽,你會發現,除了8度以外,其他的音高相對於根音,真的是「不準」。那為什麼要用十二平均律呢?是另一個知識問題,我們將作為進階的討論。)


音樂美學實驗個案

蕭邦的下一個音符

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